Kompleksitas Rytmik dan Pengkodean Prediktif: Pendekatan Baru Dalam Memodelkan Irama dan Persepsi Meter Dalam Musik

Ritme musik, yang terdiri dari interval abstrak dari peristiwa temporal beraksen, memiliki kapasitas luar biasa untuk menggerakkan pikiran dan tubuh kita. Bagaimana sistem kognitif memungkinkan pengalaman kita tentang musik yang rumit dan berirama? Dalam makalah ini, kami menggambarkan beberapa bentuk umum kompleksitas ritmik dalam musik dan mengusulkan teori pengkodean prediktif (PC) sebagai kerangka kerja untuk memahami bagaimana ritme dan kompleksitas ritmeik diproses di otak. Kami juga mempertimbangkan mengapa kami merasa sangat terdorong oleh ketegangan ritme dalam musik. Pertama, kami mempertimbangkan teori irama dan persepsi meter, yang menyediakan pendekatan hierarkis dan komputasi untuk pemodelan.

Kedua, kami menyajikan teori PC, yang menempatkan organisasi hirarkis respon otak yang mencerminkan mekanisme fundamental yang berhubungan dengan kelangsungan hidup yang terkait dengan memprediksi peristiwa di masa depan. Menurut teori ini, persepsi dan pembelajaran dimanifestasikan melalui minimalisasi Bayesian otak dari kesalahan antara input ke otak dan harapan otak sebelumnya. Ketiga, kami mengembangkan model PC dari irama musik, di mana persepsi irama dikonseptualisasikan sebagai interaksi antara apa yang didengar (“rhythm”) dan penataan musik yang mengantisipasi otak (“meter”). Akhirnya, kami meninjau studi empiris tentang efek saraf dan perilaku dari sinkronisasi, polyrhythm dan groove, dan mengusulkan bagaimana studi ini dapat dilihat sebagai kasus khusus dari teori PC. Kami berpendapat bahwa irama musik mengeksploitasi prinsip umum prediksi otak dan mengusulkan bahwa kesenangan dan keinginan untuk sinkronisasi sensorimotorik dari irama musik mungkin merupakan hasil dari mekanisme tersebut.

pengantar

Musik dapat menggerakkan kita, baik secara emosional maupun jasmani. Ini dapat membuat bulu kuduk kita merinding dan membuat kita mengetuk kaki tepat waktu dengan irama. Bagaimana otak memfasilitasi pengalaman yang kaya dan rumit yang kita miliki tentang ritme dalam musik? Di sini, kami mengusulkan teori coding prediktif (PC) sebagai kerangka kerja untuk memahami cara-cara di mana ritme kompleks diproses dalam otak dan membahas mengapa kita memperoleh kesenangan dari ritme dalam musik. Pertama, kami menunjukkan teori ritme dan meter yang memungkinkan pemodelan hierarkis dan komputasi. Kedua, kami menyajikan teori PC, yang menempatkan organisasi hierarkis fungsi saraf, yang mencerminkan mekanisme fundamental yang terkait dengan memprediksi peristiwa di masa depan.

Baca Juga : Efek Kuat Musik pada Otak

Teori ini mengemukakan bahwa persepsi dan pembelajaran terjadi dalam proses Bayesian rekursif di mana otak mencoba untuk meminimalkan kesalahan antara input dan harapan otak. Ketiga, kami melihat persepsi ritme dalam terang teori ini sebagai interaksi antara apa yang didengar (“ritme”) dan model antisipatif otak (“meter”). Kami menggambarkan pengalaman ritme dalam musik tergantung pada tingkat ketegangan atau perbedaan antara ritme dan meter. Akhirnya, kami meninjau beberapa studi empiris dari berbagai bentuk ketegangan antara ritme dan meteran – sinkronisasi, polyrhythm dan groove – dan mengusulkan bahwa ini dapat dilihat sebagai kasus khusus PC. Contoh-contoh kami menggambarkan sejumlah prinsip mendasar dari mekanismenya; efek dari pengalaman sebelumnya, perbandingan model, dan hubungan antara kesalahan prediksi dan respon afektif dan diwujudkan.

Model Hirarki dan Meteran Hirarki Teori

persepsi ritmis seringkali kontras dengan ritme meter. Secara umum, ritme adalah pola durasi diskrit dan sebagian besar dianggap bergantung pada mekanisme pengelompokan yang mendasarinya (Fraisse, 1963, 1982, 1984; Clarke, 1999). Meter, sekali lagi secara luas, adalah kerangka temporal menurut irama yang dirasakan. Lebih khusus lagi, seperti yang didefinisikan oleh London (2012, hal. 4): “meter melibatkan persepsi awal kita serta antisipasi berikutnya dari serangkaian ketukan yang kita abaikan dari permukaan ritme musik ketika terungkap dalam waktu.” Pada tingkat paling dasar, persepsi meter melibatkan indera denyut nadi, yaitu pola denyut pada interval jarak isochronously (Honing, 2012, 2013). Ketika ketukan seperti itu secara hierarkis dibedakan menjadi aksen yang kuat dan lemah, diperkirakan bahwa kita memahami meter (Lerdahl dan Jackendoff, 1983; London, 2012). Karena sifatnya yang hierarkis, meter memungkinkan untuk ekspektasi ritmis dalam musik (Large dan Kolen, 1994; Jones, 2009; Ladinig et al., 2009; Rohrmeier dan Koelsch, 2012). Dengan kata lain, meter memberikan pendengar dengan struktur harapan yang mendasari persepsi musik yang menurutnya setiap titik waktu musik mencakup persepsi waktu dan arti-penting yang bersamaan.

Efek Kuat Musik pada Otak

Musik telah terbukti secara ilmiah memiliki efek kuat pada otak. Penelitian terbaru menunjukkan bahwa musik dapat membantu dalam banyak aspek otak, termasuk pengurangan rasa sakit, penghilang stres, ingatan, dan cedera otak. Dalam buku The Power of Music, Elena Mannes mengatakan, “Para ilmuwan telah menemukan bahwa musik merangsang lebih banyak bagian otak daripada fungsi manusia lainnya.” Mari kita lihat beberapa cara musik dapat membantu penyembuhan dan stimulasi otak manusia.

Pengurangan rasa sakit

“Saya pikir musik itu sendiri adalah penyembuhan. Itu adalah ekspresi kemanusiaan yang meledak-ledak. Itu adalah sesuatu yang kita semua tersentuh. Tidak peduli dari budaya mana kita berasal, semua orang suka musik. ” —Billy Joel

Sebuah studi tahun 2014 menemukan bahwa musik sangat membantu untuk pasien dengan fibromyalgia. Studi ini menunjukkan bahwa mendengarkan musik santai pilihan pasien “mengurangi rasa sakit dan meningkatkan mobilitas fungsional secara signifikan.” Para peneliti percaya bahwa musik meredakan rasa sakit karena mendengarkannya memicu opioid — penghilang rasa sakit alami tubuh. Dalam sebuah studi tahun 2013, orang yang diberi obat penghambat opioid Naltrexone mengalami lebih sedikit kesenangan saat mendengarkan lagu favorit mereka, menyarankan musik mengaktifkan pelepasan opioid yang menghilangkan rasa sakit.

Penghilang stres

Tergantung pada jenis musik yang Anda dengarkan, musik santai dapat meredakan stres dengan menurunkan kadar kortisol, yang merupakan hormon yang dilepaskan sebagai respons terhadap stres.

Baca juga : Duo Electro-Pop Luar Biasa Dari Masa Depan Retro

Sebuah studi 2013 menunjukkan hubungan antara musik dan penurunan stres pada pasien ruang gawat darurat anak. “Dalam uji coba dengan 42 anak-anak usia 3 hingga 11, peneliti University of Alberta menemukan bahwa pasien yang mendengarkan musik santai sambil memasukkan IV melaporkan secara signifikan lebih sedikit rasa sakit, dan beberapa menunjukkan secara signifikan lebih sedikit tekanan, dibandingkan dengan pasien yang tidak mendengarkan musik. , ”Menurut American Psychological Association.

Penyimpanan

Studi yang menghubungkan musik dengan daya ingat telah meningkat sejak awal abad ke-20, ketika penelitian pertama kali muncul. Mendengarkan musik tertentu dapat membuat Anda mengingat kembali beberapa dekade dalam sekejap. Dalam posting blog sebelumnya kami menerbitkan, berjudul “Studi Buktikan Musik Meningkatkan Aktivitas Otak pada Pasien Alzheimer,” kami mengutip film dokumenter Alive Inside, yang mencatat bagaimana musik membangunkan pasien yang menderita kehilangan ingatan. Ahli saraf, Oliver Sacks berkata, “Musik membangkitkan emosi, dan emosi dapat membawa serta ingatannya. … Itu mengembalikan perasaan hidup ketika tidak ada hal lain yang bisa. ”

Sebuah studi 2014 dilakukan pada 89 pasien dengan demensia, di mana pasien dan pengasuh secara acak ditugaskan baik kelompok pelatihan mendengarkan musik 10 minggu, kelompok pelatihan bernyanyi 10 minggu, atau perawatan reguler. Hasil penelitian menunjukkan bahwa “dibandingkan dengan perawatan biasa, baik menyanyi dan mendengarkan musik meningkatkan mood, orientasi, dan memori episodik jarak jauh dan pada tingkat lebih rendah, juga perhatian dan fungsi eksekutif dan kognisi umum. Bernyanyi juga meningkatkan daya ingat jangka pendek dan bekerja serta kesejahteraan pengasuh, sedangkan mendengarkan musik memiliki efek positif pada kualitas hidup. ”

Kejang, Cidera Otak, atau Stroke

Telah dilaporkan bahwa otak pasien epilepsi merespons secara berbeda terhadap musik dibandingkan orang yang tidak menderita epilepsi. “Orang dengan epilepsi melakukan sinkronisasi sebelum kejang. Namun, dalam penelitian kami, pasien dengan epilepsi disinkronkan dengan musik tanpa kejang, ”kata Christine Charyton, dari The Ohio State University Wexner Medical Center. Charyton menjelaskan bahwa stres menyebabkan kejang terjadi dan menambahkan, “Dengan mendengarkan musik, banyak pasien melaporkan bahwa mereka merasa santai.”

Pasien stroke yang mendengarkan musik pada tahap awal setelah stroke menunjukkan peningkatan dalam pemulihan menurut sebuah penelitian tahun 2008. Penulis penelitian, Teppo Särkämö, menyarankan agar pasien mulai mendengarkan musik segera setelah stroke, karena banyak perubahan terjadi selama minggu-minggu pertama dan bulan-bulan pemulihan. “Kami menemukan bahwa tiga bulan setelah stroke, memori verbal meningkat dari minggu pertama pasca-stroke sebesar 60 persen pada pendengar musik,” kata Särkämö. Pada tahun 1973 perawatan berbasis musik yang disebut Melodic Intonation Therapy dikembangkan untuk membantu penderita stroke atau orang yang menderita afasia agar dapat berkomunikasi lagi. Tujuan dari terapi ini adalah untuk mengubah bernyanyi menjadi ucapan. Menurut Research and Hope, meskipun pasien-pasien ini tidak dapat berbicara, “mereka sering dapat bernyanyi, kadang-kadang dengan kefasihan dan kejelasan yang sama yang mereka miliki sebelum timbulnya penyakit.”

Duo Electro-Pop Luar Biasa Dari Masa Depan Retro

Ketika Georgia Ellery dan Taylor Skye membawa saya berkeliling di Guildhall School of Music & Drama yang bergengsi di London pada pertengahan Februari, potongan-potongan melodramatis dari gulungan kayu dan kuningan melayang melalui koridor. Ada ruang latihan kedap suara, dan perpustakaan yang baru saja mereka pelajari. Tetapi ketika mereka membawa saya ke bar siswa sekolah yang sederhana, Basement, hal-hal yang tiba-tiba terasa lebih sesuai dengan musik yang mereka buat bersama.

Pada akhir pekan, garis ruang bawah tanah dengan tempat duduk kulit merah ini adalah tempat di mana beberapa musisi klasik muda Inggris yang paling menjanjikan datang untuk dipalu dan menari di Ariana Grande. Masuk akal bahwa di sinilah Skye, yang belajar musik elektronik, dan Ellery, seorang pemain biola jazz, pertama kali bertemu. Pekerjaan mereka sebagai Cawat Olahraga tumbuh subur pada tabrakan tak terduga seperti: antara tinggi dan rendah, ironi dan kesungguhan. Mengenai namanya, “Sangat mengesankan, kasar, ibuku membencinya,” renung Ellery.

Tenang, berbicara dengan baik, dan tampak lebih muda daripada mahasiswa tahun keempat, Ellery dan Skye tidak langsung tampak seperti tipe yang mengejutkan ibu. Ellery menulis balada yang diinspirasikan oleh Elton John dan Paul Simon, dan kemudian Skye menyuntikkan mereka dengan produksi yang terdistorsi. Lagu-lagu Cawat Olahraga terbaik membuat Anda bertanya-tanya apakah akan tertawa atau menangis. Ambil single terbaru mereka, “Asam,” di mana suara laser dan piano plinky bergesekan dengan string yang rimbun yang suaranya dilucuti dari melodrama hitam-putih. Terhadap latar belakang yang aneh ini, Ellery menawarkan pertanyaan yang meresahkan: “Tapi bagaimana jika Anda membunuhku, atau lebih buruk, dirimu sendiri?”

Baca Juga : Mengenang John Prine, Penulis Lagu Sang Pencipta Lagu Utama

Baik Skye dan Ellery tumbuh jauh dari kota. Ellery dibesarkan di pesisir Cornwall, di ujung barat daya Inggris. Ibunya, seorang terapis musik, mendorongnya untuk belajar biola sejak usia 5 tahun, dan Ellery ingat memuja komposer romantis seperti Tchaikovsky dan Brahms di masa mudanya. Pada 14, hal-hal berbelok ke kiri ketika dia masuk ke musik rumah dan mulai menghadiri Cornish rave “gudang.”

Orang tua Skye juga mendorongnya dalam musik sejak usia dini, setelah bertemu saat bekerja sebagai aktor teater musikal di West End London. Setelah berhenti dari panggung untuk menjadi guru, keluarga itu pindah ke kota pasar di East Midlands ketika Skye berusia sekitar 10 tahun. Dia memainkan piano, tetapi ujian melumpuhkannya dengan gugup. “Memutar musik orang lain benar-benar membuatku takut,” katanya. Setelah ayahnya memberinya laptop dengan Logic di atasnya saat remaja, Skye mulai menciptakan trek oleh produser EDM ruang besar favoritnya seperti Skrillex dan Flux Pavilion. “Beberapa di antaranya agak seperti Philip Glass-y,” ia mengingat komposisi pertamanya, “tetapi dalam, seperti, gaya dubstep.”

Untuk masing-masing, pindah ke London pada 18 membuka dunia

Setelah merasa rendah dan terkurung di kampung halamannya, Skye sangat gembira menemukan bahwa sejumlah artis elektronik favoritnya — Rustie, Plastician, Skream, dan Benga — semuanya bermain di ujung jalan darinya pada minggu pertamanya di kota. . Dia dan Ellery berbagi kelas komposisi dan secara bertahap memperhatikan satu sama lain di media sosial; dia melihat di Facebook bahwa mereka berdua melihat James Blake secara langsung, dan dia mendengarkan produksinya. Setelah pertemuan pertama mereka yang tepat di Lantai Bawah Tanah, Ellery mulai mengirim Skye beberapa demo yang telah dikerjakannya secara pribadi, meminta masukan dari Skye. Skye sering kali memiliki ide yang sangat berbeda tentang bagaimana lagu Ellery seharusnya terdengar, dan mereka berdua menyukai disonansi yang diciptakan oleh bolak-balik itu.

“Itu adalah lagu-lagu Georgia; Saya tidak membantu dengan liriknya, “Skye bersikeras. “Setiap kali saya bekerja dengan orang lain, saya tidak melihat gunanya mencoba mencari tahu apa yang mereka katakan, karena Anda tidak benar-benar tahu apa yang mereka katakan di bawahnya – ‘dia patah hati’ bisa berarti jutaan sesuatu. Jadi saya pikir suara apa yang terjadi lebih menarik untuk diajak bekerja sama, dan itu menciptakan bentrokan tak disengaja. ” Ellery menulis EP debut mereka, Love Is the Key to the City 2018, saat ia merasakan pengalaman dan perasaan baru di tahun pertamanya di Guildhall. Lagu-lagu dimulai sebagai puisi, masing-masing ditulis tentang gadis yang berbeda. Beberapa didasarkan pada karakter yang jauh, seperti “Hayley,” sebuah lagu sinematik yang terinspirasi oleh seorang pekerja seks yang dia lihat di film dokumenter.

Yang lain, seperti “Charlotte” yang menakutkan dan lembut dan kisah cinta tersembunyi yang nyaris berbisik, didasarkan pada hubungannya sendiri. Pasangan ini mengikat teman-teman mereka untuk bermain sebagai ensembel string 21-piece pada catatan, hanya untuk kasar pengaturan itu dengan struktur menggeliat dan elektronik fuzzy. Lebih lanjut mempermainkan struktur lagu mereka yang sudah elastis, mereka juga merilis EP remix, Lost My Key di <3 Club <3, yang membawa lagu debut mereka lebih dekat ke dancefloor dengan chord piano rumah dan bait rap.

Mengenang John Prine, Penulis Lagu Sang Pencipta Lagu Utama

John Prine bukan penyanyi-penulis lagu paling terkenal dalam 50 tahun terakhir, atau yang paling mitologis, tetapi ia mungkin yang paling dicintai. Orang-orang memegang lagu-lagu John Prine, menggenggamnya seolah-olah mereka menawarkan bukti. Jika lagu-lagunya dibiarkan ada di dunia — ditulis begitu sederhana, begitu indah sekali — tentunya ada ruang untuk hal-hal baik dan baik lainnya. Orang-orang dalam lagu-lagunya menjalani kehidupan yang begitu jelas sehingga yang harus dia lakukan selama pertunjukan adalah menyebutkan nama mereka — Donald dan Lydia, Loretta dan Davey — dan orang-orang akan berteriak, seolah-olah dia menyebut ibu mereka.

Prine lahir 10 mil sebelah barat Chicago pada tahun 1946, putra ketiga keluarganya. Ayahnya bekerja di pabrik bir dan menjadi pemimpin dalam serikat pekerja selama sekitar 30 tahun; jika Anda membuat fiksi bonafid kerah biru, Anda tidak bisa mengatasinya. Sebagai seorang anak di pinggiran kota Maywood, Illinois, ia cenderung mengeja di mana ia berhenti memperhatikan segalanya. “Aku tidak bisa berkonsentrasi pada apa pun selain melamun,” dia pernah berkata. “Saudaraku melihat ini … dan dia melihat musik sebagai cara untuk menerimaku.” Dave Prine, putra tertua keluarga, duduk dan mengajar John beberapa akord tentang gitar. “Dari sana,” dia ingat, “itu aku yang duduk sendirian di ruangan bernyanyi di dinding.”

Tidak seperti calon musisi lainnya, Prine tidak putus sekolah, atau pindah ke seluruh negeri untuk mengejar karier rekaman. Setelah lulus SMA, ia mengambil rute surat, yang memberinya banyak waktu untuk melamun dan membuat lagu-lagu kecil. Tugas tukang posnya muncul dalam setiap tulisan tentang Prine, tetapi sulit untuk menolak, dan Prine tidak pernah melakukannya; dia pernah merilis koleksi langka yang disebut The Singing Mailman Delivers. Pekerjaan itu tampaknya menggambarkan sesuatu yang penting tentang Prine — sifat sehari-hari itu, penanganan barang milik orang lain dengan penuh tanggung jawab. Rute perjalanannya sempat terputus pada 1966 setelah ia masuk wajib militer dan ditempatkan di Jerman Barat, di mana ia mengelola sebuah kolam motor dan mengerjakan peralatan konstruksi; Ketika dia kembali dua tahun kemudian, dia kembali mengisi kotak surat dan bersenandung pelan.

Jika bukan untuk beberapa gelas bir pada suatu malam di mikrofon terbuka, ini mungkin merupakan awal dan akhir dari kisah John Prine. Tetapi temannya berani untuk naik ke panggung setelah Prine menggerutu tentang bakat. Dia menyanyikan lagu yang baru saja ditulisnya yang dia sebut “Orang Tua,” kemudian berganti nama menjadi “Halo di sana.” Liriknya mengintip ke dalam benak pasangan tua, kehilangan kontak dengan dunia dan satu sama lain. Ketika ia menyanyikannya untuk audiens yang jumlahnya semakin banyak selama empat dekade berikutnya, ia menua dalam keadaan karakternya, tetapi pada malam itu di Chicago, ia hanya seorang pria berusia 23 tahun, dentingan datar untuk suaranya yang terasa jauh lebih cocok untuk obrolan ringan daripada bernyanyi. Dia tidak terlatih, sedikit goyah. Tetapi ketika dia menyelesaikan set-nya, yang juga termasuk versi awal “Paradise” dan “Sam Stone,” ada keheningan yang sangat besar sehingga dia khawatir. Beberapa saat kemudian, tepuk tangan dimulai.

Prine tidak pernah benar-benar tegang untuk peluang karier — mereka agak mendekatinya, seperti anjing yang pulang. Segera, dia mengadakan pertunjukan mingguan di mana dia menyimpan 50 sen dari setiap penerimaan pelanggan; 12 orang menunjukkan pada malam pertamanya. Seorang teman penyanyi dan penulis lagu meyakinkan Kris Kristofferson dan Paul Anka untuk datang mendengarkannya; Prine harus dibujuk untuk bermain untuk mereka. Kristofferson menghubungkannya dengan Atlantic Records, yang menawarinya kontrak pada tahun 1970. Pada LP debut self-titled Prine, ia merekam dengan musisi yang sama yang bermain pada “Suspicious Minds” Elvis dan “Son of a Preacher Man” karya Dusty Springfield. Dirilis pada tahun 1971, kemungkinan itu tetap menjadi rekaman tunggal paling terkenal.

Dia tetap bertahan dalam sistem label utama untuk sementara waktu, memungkinkan beberapa kepala label untuk mengetahui betapa tidak mampunya dia menulis hit. Lagu-lagunya terlalu tajam dan hampir tidak pernah berhenti pada tanda tiga menit. Seperti Leonard Cohen, Prine sering menyaksikan lagu-lagunya naik ke tingkat yang tak terbayangkan ketika artis lain menyanyikannya — Dolly Parton, Bonnie Raitt, Tammy Wynnette, Willie Nelson, Joan Baez, lusinan lagi. Buku nyanyiannya adalah meja prasmanan untuk siapa pun yang ingin memanfaatkan diri mereka sendiri. Dia tidak pernah berhenti menyediakan, bahkan jika dia tidak pernah naik ke tingkat ketenaran yang lain — dia selalu hanya John Prine, salah satu penulis lagu terhebat yang pernah hidup, selamanya bersembunyi di depan mata. Mungkin itu sebabnya Prine menjadi semacam pahlawan rakyat bagi orang-orang yang merasa diabaikan, bukannya dilupakan; Lupa menyiratkan romansa bahwa karakternya tidak pernah membiarkan diri mereka sendiri, dan Prine sendiri tidak pernah benar-benar menikmati melodrama semacam itu. Dia menulis dalam pernyataan yang paling sederhana dan paling dalam, dan lebih suka membiarkan fakta melakukan pekerjaan mereka sendiri.